Er schrieb im Winter 1963/64, als er sechs Spielfilme auf dem Buckel hatte, aber immer noch Beiträge für das berühmte französische Filmmagazin verfasste Kinohefte , schrieb Jean-Luc Godard über Orson Welles: „Wir alle werden ihm immer alles verdanken.“
Diese Worte kamen mir heute Morgen in den Sinn, als ich gestern vom Tod von Jean-Luc Godard im Alter von 91 Jahren erfuhr. Der provokative Regisseur aus der französischen New Wave der 1950er Jahre lehrte das Kino, die moderne Welt zu sehen. Von seinem rohen, nervösen, lustigen, romantischen, unkonventionellen 1959 Noir Atemlos , sein Spielfilmdebüt, bis hin zu seinem vorletzten Film, der verwirrende, verwirrende (auf eine gute Art) 3-D-Aufwand genannt wird Abschied von der Sprache , in dem er eine doppelperspektivische Aufnahme erfand, von der noch nie jemand zuvor geträumt hatte, war er ein unermüdlicher Erfinder, der sein Genie auf immer provokative Weise zur Schau trug. Sein Einfluss wird immer unberechenbar sein.
Schreiben eines Standbildes aus Atemlos , bemerkte der Romancier und Kritiker Gilbert Adair: „Das Foto hätte gestern gemacht worden sein können Esquire oder Eitelkeitsmesse . Und wenn Godards kritischer Bestand in letzter Zeit gesunken ist, ist die Wahrheit, dass sein Genie als einer der größten Formenerfinder des Jahrhunderts von seiner eigenen Nachwelt usurpiert wurde. Darüber hinaus starrt uns allen der Beweis an, dass nicht nur das Kino, sondern die Welt selbst Godardianisch geworden ist.“ Das war genau richtig, als Adair es 1995 schrieb, und ist heute noch irgendwie wahr.
Godard wurde 1930 als Sohn wohlhabender französisch-schweizerischer Eltern geboren und wurde filmverrückt, als er in seinen 20ern anfing, für zu schreiben Notizbücher kurz danach. Das Magazin war ein Versuchsfeld oder vielleicht eine Petrischale für Kritiker, die Filmemacher werden sollten: Claude Chabrol, Jacques Rivette, Eric Rohmer und François Truffaut, der Godards enger Freund und gelegentlicher Mitarbeiter werden sollte (er schrieb die Geschichte, wie es war, für Atemlos ) unter ihnen. Angesichts seiner späteren Radikalität erscheinen einige von Godards Enthusiasmus als Kritiker heute ungewöhnlich: Er war wirklich groß auf Alles über Eva Schöpfer Joseph L. Mankiewicz zum Beispiel. (Truffaut war eher ein Brandstifter und tarnte zum Beispiel einen Stylisten wie Minnelli als Hollywood-„Sklave“.) Aber Atemlos , mit seiner Eröffnung voller Jump-Cuts, seiner nicht wertenden Darstellung amoralischer Kriminalität und einer neuen Perspektive auf das Charisma eines Filmstars, das von den Hauptdarstellern Jean-Paul Belmondo und Jean Seberg verkörpert wird, war wohl das dreiste der New-Wave-Debüts. Das Bild von Belmondo, der auf ein Plakat für ein Bild von Humphrey Bogart starrt, sich mit dem Daumen über die Unterlippe reibt und „Bogie“ sagt, war eine Ankündigung für ein selbstbewusstes Kino: intellektuell, aber frech. Zwei Jahre bevor Andy Warhol seine Campbell Soup Can debütierte, Atemlos angekündigte Pop-Art via Kino.
Und so begann ein bedeutender, berauschender Lauf. Wie Warhol, wie die Beatles, wie die Stones (mit denen Godard einen Film drehte, Eins plus eins auch bekannt Sympathie für den Teufel , 1968), kann man sagen, dass Godard in den 1960er Jahren GEWESEN ist. Die beiden Porträts seiner damaligen Frau Anna Karina, 1961 Eine Frau ist eine Frau und 1962er Lebe dein Leben ( Mein Leben zu leben ), sind bemerkenswerte Kontraste. Das erste ist ein Breitbild-Farbtummel, der eine Seite von Frank Tashlins nimmt Das Mädchen kann nicht anders und liest es auf den Straßen von Paris laut vor. „Es fühlt sich an, als würde die Kamera fliegen“, staunte Martin Scorsese in einem Gespräch, das ich 2020 mit ihm über die Filme führte, die seinen Klassiker von 1990 prägten Goodfellas . Das zweite war eine gemessene, düstere Schwarz-Weiß-Studie eines Straßenläufers. Godards langjähriger Kameramann Raoul Coutard war maßgeblich am Erreichen des einzigartigen Looks dieser Filme beteiligt. Godard und Coutard experimentierten ständig mit Handheld-Techniken und schnellen Filmmaterialien, bei denen die Filmemacher nicht viel Licht aufhängen mussten, um ein Bild zu erhalten. Fast dokumentarische Unmittelbarkeit war angesagt – bis sie es nicht war, wie die akribischen Inszenierungen späterer Filme wie 1982 Hingabe , ebenfalls mit Coutard hergestellt, bezeugen.
1963 tändelte Godard mit Hollywood und machte Verachtung für die Produzenten Joseph E. Levine und Carlo Ponti und mit einer internationalen Besetzung, darunter die Sexgöttin Brigitte Bardot und der amerikanische Tough Guy Jack Palance, mit Leinwandlegende Fritz Lang, der sich selbst spielt. Er übte seine eigene Verachtung für die Geldjungen aus, als er, nachdem sie Nacktaufnahmen von Bardot verlangten, sie hinrichtete, aber durch Farbfilter, die der Trikolore der französischen Flagge entsprachen. Danach rappelte er sich auf und schreckte weiter auf, mit Filmen wie Alphaville (ein Sci-Fi-Noir, das vollständig in zeitgenössischen Pariser Umgebungen gedreht wurde und sich in Godards Vision zu einer Art Kitsch-Futurismus verschmelzen), Pierrot le fou , und Männlich Weiblich , letzterer untersuchte eine jüngere Generation von Godard, die er „die Kinder von Marx und Coca-Cola“ nannte. Die politische Neigung des Filmemachers tendierte immer mehr nach links, und der Pariser Streik vom Mai 1968 brachte ihn direkt ins radikale Lager. Er entschied, dass eine neue Art des Filmemachens notwendig war.
Ich glaube nicht, dass ein Filmemacher mehr als „prätentiös“ bezeichnet wurde als Godard. Jedenfalls motivierten seine redseligen, elliptischen, manchmal absichtlich langweiligen Filme der Zeit nach 1968, die in Zusammenarbeit mit Jean Pierre Gorin und später seiner Lebensgefährtin Anne Marie Mieville entstanden, Kritiker dazu, fast reflexartig das „p“-Wort auszubrechen. Pop-Art Godard wurde durch (vorläufigen) maoistischen Godard ersetzt. Ein Godard, der auch viel im Fernsehen gearbeitet hat, sogar Werbespots gemacht hat (er enthielt eine Menge). Richard Brodys monumentale Biographie des Mannes von 2008, Alles ist Kino: Das Arbeitsleben von Jean-Luc Godard , argumentiert überzeugend, dass diese Periode künstlerisch so bedeutsam war wie jede andere in Godards Karriere. Dass Godard kein „Spaß“ war, war schließlich nicht gleichbedeutend damit, dass Godard nicht großartig war.
Das alte Monster (wie ihn der Kritiker Colin McCabe nannte; dazu kommen wir noch) kehrte mit den 1980ern zum konventionellen Filmemachen zurück – wie es jemals sein könnte, wenn es um Godard geht Rette, wer kann (Jeder für sich/Zeitlupe) mit Popstar Jacques Dutronc als Godard-Ersatz. In den 80er Jahren begann Godard in seinen Filmen als er selbst oder als Variation seiner selbst aufzutreten, was ihm einen exzentrischen komischen Wert hinzufügte. Er ist der schmutzige alte Onkel Jean in den 1983er Jahren Vorname: Carmen , eine fast schon schäbig-erotische Auseinandersetzung mit dem, was Godard damals als Kritiker „Frauenperfidie“ nannte; er spielte den A/V-Cord-Dreadlock „Professor Plugg“ in 1987s erstaunlichem und kriminell schwer zu sehendem, König Lear , das Ergebnis eines misslungenen Deals zwischen dem Filmemacher, dem Autor Norman Mailer und den Mogulen des berüchtigten Studios Cannon Films. Das Bild zeigt auch Mailer, Burgess Meredith, Woody Allen und Molly Ringwald, die die Erfahrung anscheinend nicht hasste.
Ein Schauspieler, der diese Erfahrung hasste, war Jane Fonda, die in ihren Memoiren abfällig über Godard schrieb Mein Leben so weit . Sie trat 1972 in Godards Gewerkschaftsfilm auf Alles geht gut und war beeindruckt von der Ironie, wie Godard angesichts des Themas so abweisend und herrisch gegenüber seinem eigenen Filmteam war. Trotz seiner skurrilen Filmauftritte und Interviews galt er nicht als „netter Kerl“. In seiner Beziehung zu Karina war er missbräuchlich. (Obwohl wenn ich interviewte die Schauspielerin 2016 waren die Erinnerungen, die sie erzählte, überwiegend liebevoll.) In den frühen 70er Jahren zerstritt er sich bekanntermaßen mit Truffaut. In einem berühmten Brief an Godard aus dem Jahr 1973 beschimpft Truffaut ihn wegen „Scheißverhalten“ und wirft ihm vor, seinen Radikalismus vorzutäuschen: „Du bist die Ursula Andress der Militanz, du tauchst kurzzeitig auf, gerade noch rechtzeitig Damit die Kameras aufblitzen, machen Sie zwei oder drei gebührend verblüffende Bemerkungen und verschwinden dann wieder, hinter sich herziehende Wolken eigennütziger Mysterien.“ In einigen Werken schien er manchmal mit einer Art Antisemitismus zu kokettieren (während er gleichzeitig einer der scharfsinnigeren Kritiker der filmischen Darstellungen des Holocaust war). Agnes Vardas Film von 2017 Gesichter Orte enthält eine herzzerreißende Darstellung von Godard, der seinen ehemaligen New-Wave-Landsmann brüskiert, für den er in ihrem wunderbaren 1962 auftrat Cleo Von 5 bis 7 , ein Leben zuvor.
Trotzdem schien es keinen großen französischen Künstler zu geben, der nicht mit ihm zusammenarbeiten würde, und sein Schaffen in den 80er und 90er Jahren umfasste Größen wie Isabelle Huppert, Jean-Pierre Léaud, Nathalie Baye und Johnny Hallyday und mehr. Die Kinoikone Alain Delon stand in den 1990er Jahren vor Godards Kamera Neue Welle , und Godard erinnerte sich später daran, Delon „wie einen Baum“ fotografiert zu haben. Dieses Bild hat mich inspiriert Mal Kritiker Vincent Canby zu beklage „die Party ist vorbei“ bezüglich Godard, aber dies spiegelte tatsächlich eine kritische Unnachgiebigkeit von Canbys Seite wider. Ich habe den Film in Paris gesehen, als er veröffentlicht wurde, und selbst ohne englische Untertitel, die seinem dichten, anspielungsreichen Soundtrack eine Wiege geben, war er umwerfend.
Seine Karriere war wie keine andere, eine, in der er nicht nur ein ständiger Irritant war (er schaffte es sogar, den Vatikan mit seiner Meditation der Heiligen Jungfrau von 1985 zu verärgern Ave Maria ), sondern ein nie endender Schöpfer nicht nur von Formen, sondern von Bildern, bewegten Bildern; Ich denke an die monumentale Kamerafahrt eines ländlichen Staus in Wochenende , und die fast reimende Kamerafahrt eines Supermarktaufstands in Alles geht gut . Seine Welt war eine ständige Unruhe, und seine eigene künstlerische Unruhe wird so lange Schätze hervorbringen, wie es Filme gibt.
Der erfahrene Kritiker Glenn Kenny rezensiert neue Veröffentlichungen auf RogerEbert.com, der New York Times und, wie es sich für jemanden in seinem fortgeschrittenen Alter gehört, dem AARP-Magazin. Er bloggt sehr gelegentlich unter Einige kamen angerannt und Tweets, meist im Scherz, an @glenn__kenny . Er ist der Autor des gefeierten Buches 2020 Made Men: Die Geschichte von Goodfellas , herausgegeben von Hanover Square Press.