Wenn Regisseure den Sprung von der Bühne auf die Leinwand schaffen, tauchen in der Regel eine Handvoll wiederkehrender Probleme auf, sei es eine übermäßige Freizügigkeit gegenüber Schauspielern oder eine visuelle Trägheit, die die statischen Kulissen des Prosceniums nachahmt. Aber im Neuen Damm , dem Spielfilmdebüt der Tony-nominierten Lila Neugebauer, erweist sich ihre Theatererfahrung als weitaus größerer Vorteil als Belastung. Die geduldige Sensibilität, die sie am Broadway und darüber hinaus verfeinert hat, war wesentlich für das reduzierte Charakterstück über eine afghanische Tierärztin (Jennifer Lawrence, so gut wie nie zuvor), die sich in New Orleans erholt, und den leise sprechenden Einheimischen (Brian Tyree Henry, mit den Neugebauer weit, weit zurück geht) mit seiner eigenen PTBS herum. Während sie durch die Stadt fahren – mit größerer Detailtreue fotografiert als die große Mehrheit der unzähligen Produktionen, die in Nola gedreht wurden – und gelegentlich in den Pools schwimmen, die sie reinigen soll, offenbaren sie eine gegenseitige Verwundbarkeit, auf der nur aufgebaut werden konnte in Echtzeit eingestellt.
Neugebauers Glaube an die Bedeutung von Proben stellt nur einen Teil ihres Engagements für praktische Arbeit von Mensch zu Mensch dar, die ihren Mitarbeitern den Raum gibt, den sie brauchen, um sich zu entfalten. Sie betrachtete ihren ersten Film in erster Linie als Gelegenheit zum Lernen, tauchte in die Stadt ein, die sie beherbergte, wie sie es mit der Anwesenheit ihrer Hauptdarstellerin tat, und erlangte in beiden Fällen ein tieferes Wissen nur, indem sie die Zeit investierte, um eine Beziehung aufzubauen. Die Ergebnisse dieser Extra-Meile-Mentalität werden in einem bescheidenen Drama sichtbar, das trotz all seiner schriftstellerischen Schnörkel eine echte, glaubwürdige Seele hat. Und mit Neugebauer präsentiert das amerikanische Independent-Kino den nächsten Namen, den wir im Geiste als Referenz für die Zukunft unserer Karriere katalogisieren sollten.
Am Vortag am Telefon Damm Anfang dieses Monats in den Kinos und auf Apple TV+ uraufgeführt, nahm sich Neugebauer nach eigenen Angaben „krank wie ein Hund“ dennoch die Zeit, mit h-townhome darüber zu plaudern, wie sie ihren Platz in der Crescent City finden und sich mit dem schwer fassbaren J-Law verbinden kann. ihre Lieblinge im Bearbeitungsprozess zu töten und gebratenen Alligator (vorerst) weiterzugeben.
RFCB: Soweit ich weiß, hat dieses Drehbuch zwischen seiner Entstehung und dem, was jetzt auf dem Bildschirm zu sehen ist, viele Evolutionsphasen durchlaufen. Können Sie uns die verschiedenen Entwicklungsstadien dieser Geschichte erläutern?
LILA NEUGEBAUER: Das ursprüngliche Drehbuch, das ich gelesen habe – das war im Frühjahr 2019 – war ein wunderschön gestaltetes, lyrisches, tief empfundenes, sorgfältiges, geduldiges, sehr unkonventionell strukturiertes Drehbuch von einer Autorin namens Elizabeth Sanders. Es war eine Adaption einer Novelle, die sie geschrieben hatte, genannt Rot, Weiß und Wasser . Die DNA des Films, den Sie jetzt sehen, wurzelt in den Konturen dieser Geschichte, ihrem Schauplatz und ihrer Prämisse. Die erste Entwicklungsrunde war geprägt von der Tatsache, dass ich diesen Film nicht machen konnte, ohne mich sinnvoll mit Menschen zu beraten, die diese Erfahrung machen würden. Also begann ich einen ausführlichen Gesprächsprozess mit medizinischen Experten auf dem Gebiet der traumatischen Hirnverletzung, hauptsächlich für das U.S. Department of Veteran Affairs in New York, das sich Harbor Healthcare nennt. Während ich drehte, wurden diese Gespräche in der VA in New Orleans fortgesetzt. Ich sprach auch mit aktiven Soldaten und Veteranen der Streitkräfte, von denen viele SHT hatten, obwohl wir auch ihre Gründe für die Einberufung an erster Stelle, ihre Einsatzzeit und die Herausforderungen, denen sie bei der Rückkehr nach Hause gegenüberstanden, besprachen. Ich würde also sagen, dass diese Gespräche das, was ein schönes und poetisches Drehbuch war, in etwas verwandelt haben, das etwas mehr auf der klinischen Realität basiert.
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Dabei profitierten wir auch von den Beiträgen der Autoren Luke Goebel und Ottessa Moshfegh zu Story und Dialog. Und dann hatten wir von Anfang an Brian [Tyree Henry] und Jen[nifer Lawrence] in die Formulierung ihrer Charaktere einbezogen. Sie waren diesen Charakteren sehr verbunden, sie sind wirklich dramaturgisch scharfsinnige Menschen, für die das sehr persönlich wurde und immer noch persönlich ist. Diese Gespräche trugen wesentlich dazu bei, mein Verständnis der Charaktere und der Beziehung zwischen ihnen zu vertiefen.
Das Ende dieses Monologs ist, dass Editieren auch eine eigene Form des Schreibens ist, man restrukturiert und eliminiert und komprimiert und neu ordnet. Es ist bereits öffentlich bekannt, dass ich Rückblenden für diesen Film gedreht habe, Drehbuchszenen, die in Afghanistan und Landstuhl spielen, einem deutschen Krankenhaus, das von der US-Armee betrieben wird. Ich liebte dieses Filmmaterial. Wir haben alles auf 16 mm gedreht, es sah großartig aus. Unser Produktionsdesigner, die lebende Legende Jack Fisk, verwandelte eine Mülldeponie in New Orleans in einen Militärstützpunkt. Es gab eine emotionalere Dynamik zwischen Kamera und Subjekt, die wir als Kontrapunkt zum Präsens-Zeug entworfen haben. Und so war es ein schmerzhafter Prozess zu erkennen, dass die stärkste Version dieses Films keinen Platz für diese Szenen hatte.
Ich frage mich, ob das alles für Sie als Theaterregisseur ungewohnt ist, wo der Text der Text ist, der so ziemlich so rezipiert wird.
Da ich den größten Teil meiner Theaterkarriere damit verbracht habe, an brandneuen Stücken zu arbeiten, ist mir der Aspekt der Drehbuchgestaltung ziemlich vertraut. Ich habe oft Projekte noch in der Ideenphase unterschrieben oder stand in jahrelangen Workshops mit einem Drehbuch im Raum. Ich arbeite mit einer Firma namens The Mad Ones im Theater, wir kommen jetzt ins Fernsehen und wir schreiben alle seit zwölf Jahren zusammen. Wir sind zu fünft, wir schreiben gemeinsam Theaterstücke, die Kompaniemitglieder spielen und ich führe Regie. Diese Muskeln spielen zu lassen, mit den Worten ins Unkraut zu geraten, das fühlte sich für meine Übungen sehr natürlich an.
Ich hätte vermutet, dass Ihr Hintergrund im Theater bei der Arbeit mit Schauspielern am nützlichsten ist. Diese Szenen werden von den Aufführungen geleitet, und man sieht den Proben an, wie organisch diese Charaktere bewohnt werden. Ist es schwierig, das Vertrauen und die Intimität zu fördern, die für die Bühne eines Filmsets typisch sind, wo alles von Fristen und Budgets diktiert wird?
Ein großes Glück war, dass ich Brian kenne, seit ich neunzehn Jahre alt bin. Wir haben uns kennengelernt, als ich Student am College war und er auf der Schauspielschule, also sind wir alte Freunde, und dies war unsere erste Zusammenarbeit. Es gab also eine bestehende Vertrauensbasis zwischen uns. Das war enorm hilfreich, um während unserer Zeit am Set eine Kurzschrift aufzubauen, und wie Sie sagten, Zeit ist nicht Ihr Freund. Ebenso kam dieses Projekt auf eine beschleunigte, zufällige Weise zustande, als ich Jen traf. Ich hängte mich an das Drehbuch und sechs Wochen später erfuhr ich, dass Jen es gelesen hatte und wie ich eine starke Reaktion hatte. Ich wurde gefragt, ob ich mit ihr zu Abend essen würde, wir haben es getan, es gab eine sofortige Verbindung, und sie hat an diesem Abend zugesagt. Einige Monate später waren wir in der Produktion.
Nicht lange nach diesem Abendessen ging ich einige Wochen lang jeden Morgen zu ihr nach Hause. Wir gingen das Skript Seite für Seite durch und lasen es sehr langsam. Zu diesem Zeitpunkt haben wir noch nicht einmal an Leistung oder Ergebnisse gedacht. Wir haben nur geredet, frei assoziiert und darüber geriffelt, was uns dieses Material persönlich gebracht hat. Wir sprachen über unser eigenes Leben und darüber, wo wir uns selbst in den Charakteren von Lynsey und James sahen. Wir haben in dieser Zeit eine gemeinsame Sprache geschmiedet und uns auf grundlegende Weise kennengelernt. Du hast vorhin „Intimität“ gesagt, und ich denke, das passt genau. Und das gilt für jedes Mitglied der Nebendarsteller, die größtenteils aus Leuten bestehen, die ich aus der New Yorker Theaterszene kannte. Ich hatte nicht mit allen gearbeitet, aber alle, die ich nicht direkt kannte, hatte ich lange aus der Ferne bewundert. Es war ehrlich gesagt eine Freude, von solchen bekannten Gesichtern umgeben zu sein.
Aber ja, Zeitdruck ist eine Herausforderung. Wenn Sie jedoch daran interessiert sind, die Neugier anderer Menschen zu wecken, ist es dennoch möglich, aufmerksam und respektvoll zu kommunizieren. Sie hören zu und erfahren, wie ein Schauspieler mit Ihnen spricht und welche Fragen er stellt. Ich glaube nicht, dass zwei Schauspieler genau dieselbe Sprache sprechen, oder überhaupt zwei Mitarbeiter. Das Vergnügen an der Arbeit besteht darin, mit jemandem eine bestimmte Sprache zu entwickeln, um seine Kreativität freizusetzen.
Ich habe eine Weile in New Orleans gelebt und in den letzten zehn Jahren in all den Filmen, die dort gedreht wurden, viele verschiedene Darstellungen der Stadt gesehen. Dieser scheint dem wirklichen Leben, wie ich es kannte, näher zu kommen als die meisten anderen. Wie haben Sie Ihren Platz in der Stadt und ihrer Kultur gefunden?
Ich habe so viele Fragen zu Restaurants, die ich Ihnen stellen möchte. Wir werden darauf zurückkommen.
Hast du Alligator gegessen, als du in der Stadt warst?
Es tut mir Leid! Ich hatte zu viel Angst. Das nächste Mal allerdings. Aber ja, richtig: Dieser Film war meine Einführung in New Orleans. Der Produktionsaufbau dort war einer Konstellation von Variablen geschuldet, die sich über drei Jahre erstreckten, sodass ich das unglaubliche Glück hatte, dort vor den Dreharbeiten viel Zeit verbringen zu können. Und verzeihen Sie mir, wenn das irgendwie nach Pollyanna klingt, aber ich glaube wirklich, dass die Stadt etwas mit Ihnen macht. Viele amerikanische Städte sind wie andere amerikanische Städte, und nichts in New Orleans ist wie irgendetwas anderswo. Die Menschen in New Orleans öffneten uns ihre Häuser und Straßen mit unglaublicher Großzügigkeit. Wie Sie sehr gut wissen, hat die Stadt mehr als ihren gerechten Anteil an kollektiven Traumata erlebt, und die Widerstandsfähigkeit war mir auf große und kleine Weise so offensichtlich. Die Heiterkeit des Ehrenplatzes hat den Film greifbar und immateriell bereichert, und unser Leben, würde ich sagen. Ich fühle mich der Stadt und ihren Menschen verpflichtet, dass sie mir etwas von diesem ansteckenden Stolz gegeben haben, für einen Ort, den ich so schnell wirklich lieben gelernt habe. Ich fühlte, wie wichtig es war, ein hoffentlich glaubwürdiges, wahrheitsgemäßes und liebevolles Porträt einer einzigartigen amerikanischen Stadt zu zeichnen, auch wenn sich unsere Protagonistin in ihrem Zuhause unwohl fühlt.
New Orleans wurde historisch mit seinen touristischen Sehenswürdigkeiten identifiziert, wissen Sie, der Bourbon Street und dem Viertel. Es war wichtig für diesen Film – und für mich im Allgemeinen, in der Stadt zu sein –, etwas zu zeigen, das den wahren Bewohnern gehört, und auf die privaten Räume zuzugreifen, die diese Stadt wie eine Heimatstadt wirken lassen. Jedes Bild des Films wird in New Orleans gedreht. Es liegt etwas in der Luft, ich weiß es nicht. Es ist dick.
Besonders dieser Film passt gut zu New Orleans, da es hier so ziemlich ums Abhängen geht; Diese Charaktere arbeiten in einer funktionalen Stadt voller Menschen mit Verantwortung, aber gleichzeitig ist ihr Leben auf Freizeit ausgerichtet. Wir sehen, wie sie Schneebälle bekommen, in einem Park chillen, einen Blunt rauchen, schwimmen gehen. Diese Kombination aus großstädtischem Leben und einer Haltung, die Ruhe in den Vordergrund stellt, das war meine Zeit in der Stadt.
Es gibt viele Gründe, warum der Film sein Tempo hat, die meisten davon haben mit dem emotionalen Stoffwechsel dieser zurückhaltenden Charaktere zu tun. Ich fordere die Zuschauer auf, geduldig zu sein, so wie wir möchten, dass diese Charaktere Geduld mit sich selbst haben. Und mir ist jetzt klar, dass dies durch meine Zeit in New Orleans beeinflusst sein muss, wo sich die Dinge in dem Tempo bewegen, in dem sie sich bewegen. Wenn das langsamer ist, dann ist es langsamer. Und die Hoffnung auf ein Stadtgefühl kommt auch im Sounddesign zum Ausdruck; Wir haben viel darüber gesprochen, wie wir das in einer Stadt mit so unterschiedlichen Musiktraditionen am besten klanglich beschreiben könnten. Wir dachten über einen konventionellen Soundtrack nach, entschieden uns aber letztendlich, dass dies nicht der Ort wäre, um New Orleans zu finden. Stattdessen habe ich akribisch mit dem Tonteam zusammengearbeitet, damit wir alle Ritzen des Films mit lokaler Musik füllen können, die aus Autos, Veranden und Ladenfronten kommt. Es ist Bounce, Soul, Jazz, Hip-Hop, alles, und es vermischt sich mit der Straßenbahn, dem Geschwätz und dem Summen der Drähte. Das war mir genauso wichtig wie die visuelle Komponente.
Wenn ich wieder herauszoome, gibt es etwas an dem Film – vielleicht in der Art und Weise, wie er seine Symbolik trägt – das mich trotz all seiner filmischen Qualitäten an ein Theaterstück erinnert. Gibt es mit Ihrem Hintergrund, auch wenn Sie in einem anderen Medium tätig sind, eine inhärent theatralische Qualität in der Art und Weise, wie Sie über das Erzählen von Geschichten denken?
Ich möchte alle Arten von Filmen in verschiedenen Registern und Stilrichtungen machen. Ich stelle mir vor, dass mein Leben im Theater, das weitergehen wird, im Gespräch mit den Filmen leben wird, die ich machen möchte. Aber die kurze Antwort auf Ihre Frage lautet: Ich habe keine Ahnung. Ich bin dabei, ein Theaterstück zu machen, ich habe einige andere Film- und Fernsehsachen in sehr frühen Phasen der Entwicklung, also denke ich, dass das erst mit der Zeit klar wird, wenn sich Muster und Gewohnheiten herausbilden. Ich freue mich darauf.